David Zimmerman (Niels Schneider, méconnaissable sous une barbe christique, vingt kilos en moins) est un artiste qui marche sur les pas de son père en photographiant la lente urbanisation de la banlieue parisienne. Volontiers asocial, il cède à la pression de ses amis pour les accompagner à une fête mexicaine délirante où il accepte le cachet offert par un inconnu et retrouve, dans la foule, Eva, une actrice allemande, qu’il avait croisée quelques jours plus tôt lors d’une réception (Léa Seydoux, qui relève de couches, vingt kilos en plus). Après avoir fait l’amour sans un mot avec elle dans un sous-sol glauque, David vit la plus incroyable des expériences : il se réveille dans le corps de la jeune femme. Epouvanté, paniqué, il part à sa recherche.

Arthur Harari est l’un des réalisateurs les plus intéressants de sa génération. Il forme avec Justine Triet, dont il a co-écrit le scénario d’Anatomie d’une chute, un power couple français. L’Inconnue est son troisième long métrage après Diamant noir (avec Niels Schneider déjà dans le rôle principal) et Onoda, qui avaient légitimement fait parler d’eux. Arthur Harari adapte ici la bande dessinée qu’il a co-écrite avec Lucas, son frère cadet. Le cinéma est chez les Harari une affaire de famille puisque Tom, le frère aîné, est le chef opérateur des films d’Arthur.

L’Inconnue peut désorienter. Parce que son sujet dépasse l’entendement : l’échange de corps (l’expression américaine, body swap, est plus parlante encore), s’il est devenu un sous-genre cinématographique, relève, à ce jour tout du moins, de la science-fiction. Parce que le scénario cherche moins à expliquer les causes de ce curieux phénomène qu’à en montrer les conséquences et laisse bien des questions irrésolues. Bref, on peut n’y rien comprendre et sortir de la salle deux heures vingt plus tard passablement agacé.

Mais c’est précisément son approche naturaliste qui rend L’Inconnue intéressant. Un phénomène fantastique y est décrit sans artifice, ses conséquences sont froidement analysées, sans utiliser les ficelles du cinéma fantastique ou de la comédie. On ne verra dans L’Inconnue aucune puissance surnaturelle à l’œuvre ni aucun quiproquo loufoque. On se posera simplement une question vertigineuse : que ferions-nous si un beau (!) matin, nous nous retrouvions dans un autre corps ? Il se trouve que les deux principaux protagonistes franchissent la barrière des genres. On aurait pu penser que la question du transgenrisme soit plus creusée : que ressent-on non seulement quand on change de corps, mais au surplus quand on change de genre ? Elle ne l’est pas. tant mieux – tellement elle est devenue galvaudée dans le cinéma contemporain – ou tant pis – elle soulève des questions passionnantes.

Toute la seconde partie du film – après que l’histoire s’est lestée d’un troisième personnage dont je ne dirai rien – oblige le spectateur à une gymnastique intellectuelle compliquée et stimulante : qui est dans le corps de qui ? Le jeu est amusant, mais finit par lasser, d’autant que le film on l’a dit est d’une durée hors normes. Certes, il nous offre dans sa dernière ligne droite, une échappée belle, près de chez Julien Gracq, à Ingrandes-sur-Loire, loin de la pluie et de la brume hivernales dans lesquelles le film se déroulait jusqu’alors. Mais ce soleil printanier ne résonne pas avec le tour tragique que prend le scénario.

La bande-annonce

Paradise a pour héros deux jeunes hommes, à peine sortis de l’enfance que rien a priori ne semble relier.
D’un côté, au Ghana, Kojo qui grandit sans mère aux côtés de son père, un pêcheur. De l’autre, au Québec, Antoine qui grandit sans père aux côtés de sa mère, laquelle a noué une relation avec un capitaine américain au long cours.

Paradise est un film québécois à la construction originale. Comme son affiche renversante (!) le montre, comme son pitch l’annonce, il est tout entier construit autour de l’imbrication de deux histoires a priori sans lien entre elles.

Il ne faut rien dire de ce lien. Sa découverte, au mitan du film, est sacrément étonnante. Rien ne me l’avait laissé deviner. Vous surprendra-t-elle autant qu’elle m’a surpris ?

Ce lien ouvre sur un autre film : celui précisément où les chemins de Kojo et d’Antoine vont se croiser. Le film avait le choix entre plusieurs options. Celle qu’il choisit n’est pas la plus crédible. Elle n’est pas non plus la plus réussie.

(Attention spoiler)
Paradise creuse une question sacrément contemporaine : celle de nos solitudes immenses, de la façon de les combattre et de la crédulité déconcertante qu’on peut alors manifester.

Le sujet est fascinant. Il prête à rire alors qu’il est diablement sérieux. Anne Deneuchatel, la victime de l’arnaque au « faux Brad Pitt », en a fait les frais. Je serais curieux de lire le livre qu’elle a tiré de cette rocambolesque histoire. Comment fonctionnent les « brouteurs » ? quel public visent-ils ? quels ressorts actionnent-ils ? quel est leur taux de succès et d’échec ? comment leurs victimes tombent-elles sous leur emprise ? se relèvent-elles de leur désillusions après avoir compris qu’elles ont été flouées ? ont-elles des recours juridiques ?

En 2023, Armel Hostiou avait raconté dans Le Vrai du faux comment il était allé au Congo sur la piste de l’homme qui avait usurpé son identité pour créer un faux compte Facebook. Colin Niel avait dans Seules les bêtes, un livre chorale à la construction savamment sophistiquée, utilisé un tel personnage. J’avais beaucoup aimé l’adaptation que Dominik Moll en avait tirée. Paradise traite le sujet moins sous l’angle du thriller que sur celui du drame grec presqu’élégiaque. Pas sûr que ce parti pris poétique soit le meilleur angle pour traiter cette question passionnante.

La bande-annonce

Inès a neuf ans. Ses parents sont partis à Séville à l’Exposition universelle où, cette année-là, le pavillon chilien expose un morceau d’iceberg. Inès a été confiée à la garde de ses grands-parents qui possèdent un hôtel dans une station de ski dans les Andes chiliennes qu’ils s’apprêtent à vendre. L’hôtel accueille une délégation de skieurs allemands de haut niveau venus skier dans l’hémisphère sud pendant l’hiver austral. Inès, que le personnel de l’hôtel a prise sous sa protection, se lie d’amitié avec une jeune skieuse, Hanna, que ses camarades ont prise en grippe. Jusqu’au jour où Hanna disparaît mystérieusement…

Projeté à Cannes dans la section Un certain regard, Dégel est le deuxième volet d’un triptyque commencé en 2022 avec Chili 1976, qui mettait en scène les dilemmes moraux de la grande bourgeoisie pendant la dictature. Ce film-ci croise la petite histoire avec la grande : celle de l’histoire du Chili et de l’impossible anamnèse des années de dictature. Les cadavres des disparus retrouvés six pieds sous terre, la glace qui fond, découvrant ce qui était trop longtemps resté enseveli sous elle, Hanna disparue dans la montagne et qu’on retrouvera peut-être au dégel : la métaphore est lourdement soulignée. Trop peut-être.

Dégel m’a rappelé L’Engloutie, un film français sorti l’hiver dernier : mêmes décors neigeux, même mystérieuse disparition, même plongée dépaysante dans l’histoire (même si Dégel se déroule en 1992 au Chili alors que L’Engloutie se déroulait en 1900 dans les Alpes briançonnaises). Sa jeune héroïne m’a rappelé l’enfant de Crias Cuervos, ses cheveux noir corbeau, sa coupe au bol et le regard plein d’interrogations qu’elle porte sur un monde, enfermé dans ses non-dits, qu’elle ne comprend pas.

Dégel a certes des qualités. C’est un film sur la dictature et ses lourds non-dits, sur la perte de l’innocence, sur l’impossibilité de tout comprendre. Mais il réussit si bien à nous désorienter, dans son récit cotonneux, qu’il finit par nous perdre.

La bande-annonce

La famille Platt vit dans une banlieue américaine middle classe semblable à tant d’autres. Le père (Ewan McGregor) vient de perdre son mari et livre des pizzas en cachette de sa femme. La mère (Anne Hathaway) écrit en cachette de son mari une séparation qu’elle n’a pas le courage d’exécuter. Leurs deux enfants adolescents vivent dans la crainte du divorce de leurs parents.
C’est cette famille banale d’une banlieue banale qui va vivre une histoire incroyable : tout le quartier va être projeté dans le temps, des centaines de millions d’années en arrière, à l’époque des dinosaures.

Faut-il prendre ce blockbuster américain, sorti au cœur de l’été, qui a subi de plein fouet la concurrence de L’Odyssée et de Spider Man, au premier ou au second degré ?

Au premier degré, c’est un film familial – même si certaines scènes particulièrement sanglantes ont entraîné son classement PG13 aux Etats-Unis. Il a le parfum des films Amblin des années 80. D’ailleurs son action se situe en 1982, l’année même de la sortie d’E.T. et il est produit par J.J. Abrams, qui réclame l’héritage de Steven Spielberg. Ses effets spéciaux sont parfaitement léchés. Ses héros sont de ceux dans lesquels chacun.e pourra se reconnaître. Et son happy end prévisible rachètera les jump scares (littéralement sursaut de terreur) que son scénario rebondissant provoque.

Y a-t-il un second degré ? C’est le moins qu’on pouvait attendre d’un réalisateur aussi affûté que David Robert Mitchell, qui en 2014 avec It Follows avait dynamité les codes du film d’horreur, avait ensuite signé en 2018 le curieux Under the Silver Lake avant de connaître une longue traversée du désert. La Fin d’Oak Street dynamite-t-il les codes du film de dinosaures ? Pas sûr. Certes on peut, en cherchant bien, trouver ici ou là quelques clins d’œil transgressifs : ainsi de cette scène loufoque où nos deux héros tombent nez à nez, si j’ose dire, avec deux dinosaures… en plein coït. Ainsi aussi de la mort de l’un des personnages principaux dont on se dit qu’elle bat en brèche l’un des principes non écrits de Hollywood.

Mais hélas, ces rares audaces ne sauvent pas ce film banal de sa médiocrité. On tourne gentiment en rond pendant une heure trente jusqu’à ce que le scénariste, son parcmètre étant presque épuisé, décide de rendre les armes. Les dinosaures de Jurassic Park peuvent dormir sur leurs deux oreilles. Leur ère n’est pas encore achevée.

La bande-annonce